Punk en el arte

»No sólo en la música está el punk: también en la plástica
»La frase: “Hazlo tu mismo”
»Nota publicada en El Observador por Fermín Solana
»Por Tucson | Tiempo de lectura: 4′23”

»Arte sin modales en las calles y las galerías

Junio de 2007 marca el 30 aniversario del lanzamiento de un disco –simple- que haría historia dentro del rock, God Save the Queen, de los ingleses Sex Pistols. Este fue gran responsable del inicio de una revolución dentro de la cultura juvenil: el punk.

En una época donde las FMs estaban copadas por la inofensiva música disco, y los interminables e intrincados temas de las denominadas bandas progresivas, el punk surgió como una vibrante y riesgosa respuesta. Consistía en básicas y estridentes canciones de tres acordes, ejecutadas por músicos que se encontraban lejos de ser virtuosos.

Guitarras distorsionadas, con letras irónicas y contestatarias que llegaban a tener la osadía, por ejemplo, de declarar que la reina Isabel “no es un ser humano”.

“No hay futuro” fue el lema nihilista de los Pistols, una banda irreverente conformada por integrantes que rondaban los 20 años, tenían los dientes podridos, los pelos parados y usaban camperas de cuero. La Inglaterra de los buenos modales sintió vergüenza ante los nuevos ídolos de sus hijos. Por un período, la población adulta añoró con nostalgia a los Beatles, esos “peludos” que después del shock inicial habían terminado resultando simpáticos.

Paralelamente, en Nueva York se daba un fenómeno similar, que en realidad comenzó antes que en Londres, pero no tuvo tanta notoriedad como en la capital británica, donde todos los diarios hablaban de los mal educados punks y los Sex Pistols encabezaban los charts.

El 5 de junio, la Galería de arte Barbican (Londres), una de las más grandes de Europa, montó una exposición que muestra el perfil quizá menos tomado en cuenta de este movimiento: su influencia en el arte. Cuando la mayoría piensa en punk, lo asocia generalmente con peinados como crestas de gallo y música bulliciosa. No muchos lo vinculan con pinturas cotizadas en cifras multimillonarias y producciones para grandes campañas publicitarias.

Sin embargo, eso es lo que la muestra llamada Panick Attack se encarga de exhibir; diferentes producciones de alrededor de 30 artistas (de origen estadounidense y británico) que entre mediados de los setenta y mediados de los ochenta dotaron a sus obras del mismo vértigo que bandas como Sex Pistols dieron a su música.

El principal slogan de los punks desde el inicio fue “hazlo tu mismo”. En el terreno de la música, la idea era que cualquiera podía formar una banda. Con algunos acordes y la voluntad suficiente bastaba para hacer música. No hacía falta haber pasado por un conservatorio para componer canciones.

De a poco esta idea, que buscaba dotar de poder a los que carecían del mismo, se trasladó a otros ámbitos. Como si fuera la gran oportunidad para que los descarriados se expresaran.

El surgimiento del grafiti como disciplina artística estuvo directamente afectado por la ética “hazlo tu mismo”. Varios de los artistas que aparecen en la exposición de Barbican fueron pioneros en la utilización del spray para adornar –a su gusto y para disgusto de otros- los muros de las ciudades.

En el terreno de la fotografía, las máquinas de instantáneas Polaroid, que permitían sacar sin la necesidad de gran técnica, ni de pasar por un laboratorio de revelado, abrieron el espectro para nuevos ases de la captura. No fueron pocos los que pasaron de estos métodos rudimentarios a otros cada vez más elaborados, pero manteniendo el espíritu original de ir más allá de las convenciones sin importar el “qué dirán”.

»Recuadros

»Por Terry Richardson

Terry Richardson (41), nacido en Nueva York, estaba predestinado a ser fotógrafo de moda, como su padre Bob, as de esa profesión en los sesenta. Pero Terry estuvo lejos de ser un fotógrafo convencional. Parte de la culpa él la deposita en el hecho de haber sido parte de una banda punk cuando era adolescente.

Hoy, mientras la mayoría de sus colegas llegan a las locaciones rodeados de asistentes y cargados de lentes, trípodes y reflectores, el único equipamiento de Terry son dos cámaras instantáneas. Como si fuera de vacaciones.

Antes que nada Richardson es un personaje en sí mismo. Flaco y alto, parece haberse mantenido en los años setenta. Tiene bigotes de cafisho, largas patillas y tatuajes de marinero. En sus autorretratos generalmente aparece completamente desnudo, y en los libros que recopilan su trabajo abundan las imágenes donde se lo ve involucrado en actividades sexuales explícitas. Penes, pechos y vaginas son figuras recurrentes en su obra, donde los límites son empujados, y muchas veces sobrepasados.

Sus retratos más famosos captan la esencia de personajes de una manera inédita: Macaulay Culkin, el rubiecito de Mi Pobre Angelito aparece a los ojos de Richardson con aspecto de adicto, sin camiseta, con el pelo sucio, escupiendo. Justin Timberlake destroza una bola de espejos con una furia inusitada y Leonardo Di Caprio parece prepararse para un robo. Marcas como Gucci, Nike y Levi´s acudieron al fotógrafo demente para plasmar sus campañas más arriesgadas.

»Por Basquiat

Jean-Michel Basquiat, hijo de un ex ministro del interior haitiano nació en Brooklyn, Nueva York, en 1960. Primero ganó reputación como artista callejero (empezó en 1977, año de explosión del punk), graffitiando. Después, a medida que evolucionó técnicamente y empezó a trabajar entre cuatro paredes, se transformó en la cabeza más visible de lo que la crítica y coleccionistas catalogaron como neo-expresionismo y fue apadrinado por Andy Warhol. De sus cuadros se dijo que “tienen una colorida fijación con la muerte”. Esta le llegó temprano, ya que dejó de existir a los 27 a causa de una sobredosis.

»Por Raymon Pettibon

Raymond Pettibon es un solitario amante del jazz que también se introdujo en el arte en 1977. Empezó como bajista de una banda punk y luego se dedicó a ilustrar las tapas de discos de Black Flag, una de las más importantes bandas de la escena norteamericana de los 80. Una vez que se independizó empezó a exponer y es hoy uno de los nombres más respetados del arte contemporáneo.

»Uruguay-Argentina

»Por Luque

Pedro Luque (26), director de fotografía free lance es uno los artistas uruguayos que bebieron del punk. A mediados de los noventa Luque se vio implicado en una subterránea escena que tuvo en los fanzines (revistas contra-culturales, caseras, fotocopiadas) uno de sus principales vehículos de comunicación. “Al comienzo esas revistitas que hacíamos eran expresiones de política y denuncia, poco a poco se fueron transformando en algo más”.

Tucson (27) es el seudónimo de otro de los creadores locales que se vieron impactados por las ideas punks de romper con lo establecido a la hora de producir: “el punk repercutió en mi vida a la hora de entender que tengo la libertad personal para hacer lo que quiero sin que me importe lo que pueda opinar el espectador”, afirma el artista plástico, que junto a Luque ocasionalmente sale a las calles, aerosol y moldes en mano, para estampar stencils en los muros.

Ellos están constantemente en intercambio con el colectivo porteño Run don´t walk, probablemente los máximos exponentes del arte punk callejero en Sudamérica. Esa pandilla, liderada por un diseñador gráfico llamado Federico Minuchín pasó de la clandestinidad propia de realizar actividades ilegales (como es el graffiti) a ser contratada por las marcas más cool de indumentaria de Buenos Aires como A.Y. Not Dead para decorar sus locales. Disney Channel les pidió stencils del ratón Mickey.